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quinta-feira, 16 de outubro de 2014

Crítica: A Brand New Life


Esta autobiografia da diretora franco-coreana Ounie Lecomte, sobre a infância dela em um orfanato após ter sido abandonada pelo pai, é dura. O sofrimento internalizado de uma criança é algo difícil de se sarar, ainda mais quando aquilo vem de forma tão traumática e numa idade já consciente.

A diretora fala do assunto com óbvio conhecimento de causa e não se sabe até que ponto as situações são baseadas em fatos reais, mas todas elas são incrivelmente verossímeis e, por mais que dê vontade de dar uns sacolejos na menina – que catalisa suas emoções em forma de silêncio e grosseria com crianças e freiras do orfanato – é difícil não se compadecer com ela, ainda apenas (oras) uma criança.

A fotografia é muito bonita e o ritmo, como quase todo drama coreano, é lento – o que faz uma história assim ganhar ainda mais intensidade. Os outros personagens, apesar de ter sua importância individual, servem na verdade como apenas objeto de observação da garotinha protagonista, que tira de cada das atitudes alheias lições para si. O que parece é que ela amadurece por si só (o que não deixa de ser verdade).


Este longa marca a ótima estreia da diretora, que levou a Menção Honrosa “pelo trabalho de ajuda às crianças”, no Festival de Berlim 2010. Por enquanto ela ainda não anunciou outro projeto. Tomara que este filho único não represente apenas sorte de principiante e que ela mostre talento para contar outras histórias que não sejam tão próxima às dela.

Trailer


A Brand New Life (Yeo-haeng-ja, 2009)
Dir.: Ounie Lecomte


quinta-feira, 9 de outubro de 2014

Crítica: À Procura do Amor (Enough Said)

Primeiro acerto da carreira da diretora Nicole Holofcener (“Amigas com Dinheiro”; “Sentimento de Culpa”), “À Procura do Amor” representa também um singelo canto da cigarra para James Gandolfini, falecido no ano passado e conhecido pelo chefe da Máfia na série “Os Sopranos”. Gandolfini confere dignidade e humanidade ao seu personagem Albert, um sujeito despreocupado (com a vida e com o corpo), cujas características latentes foram determinantes para o término do seu casamento Marianne (Catherine Keener).

Mas a figura central aqui é Eva (Julia Louis-Dreyfuss), massagista também divorciada que conhece Albert numa festa e, mesmo nunca tendo imaginado-se com um “gordo desleixado”, é vencida pela sua simpatia e aceita seu convite para sair. Começa ali um relacionamento de química – que só funciona pela cumplicidade de Dreyfuss e Gandolfini – mas assombrado pelos medos gerados pelos relacionamentos anteriores. Mais sobre a história é melhor não saber antes de assistir, pois essa é daquelas que você vai simpatizar desde o começo e se surpreender com os pequenos e com os grandes embaraços que brotam com sutileza pelo caminho.

Despretencioso, “À Procura do Amor” é um filme sobre tolerância, carências e o constante amadurecimento que nos acompanha em qualquer fase da vida.

Trailer



(Enough Said, EUA, 2013)
Dir.: Nicole Holofcener
Com James Gandolfini, Julia Louis-Dreyfuss, Catherine Keener, Toni Colette

Nota 7

sexta-feira, 3 de outubro de 2014

Crítica: My Winnipeg

Faz um tempo que tento espantar a preguiça de assistir as obras do canadense Guy Maddin, talvez pela constante comparação que fazem entre ele e David Lynch, diretor que eu já desisti de entender – até porque nem o mesmo consegue se explicar. Das obras de Maddin, resolvi então começar por My Winnipeg, obra que brinca de ser documentário, sobre a cidade natal do diretor.

Se o ponto de partida foi o melhor, ainda não posso dizer, mas é verdade que este filme chamou minha atenção desde os primeiros minutos. Diferentemente de Lynch, que busca inspiração para suas loucuras na ficção total, Maddin faz surrealismo da sua própria realidade e das suas memórias.

Partindo das lembranças que tem de sua cidade natal, o diretor faz uma espécie de exercício de exorcismo dos traumas da época em que lá morava, assim como faz do filme um veículo para suas queixas e mágoas sobre a região e seus habitantes. Por isso, o seu maior personagem – à parte a cidade – é sua própria mãe, presente como um fantasma repressor, expresso em foto de alto contraste, sempre imponente e ditatorial.

É a mãe e o núcleo familiar que dominam o primeiro terço de filme, como uma explicação do contexto, sobre como era vida do diretor naquela época. A opinião forte expressa rende momentos tensos, mas também muito divertidos e não raramente, claramente carinhosos, melancólicos.

Depois, é a vez da cidade se fazer personagem principal e inicia-se então um tour pelos pontos de maior valor sentimental para Maddin. Ele nos apresenta uma antiga loja de departamento, uma piscina de três andares, muitas ruas, fatos que aconteceram por lá no início do século XX, simula uma invasão nazista durante a Segunda Guerra Mundial, e o mais interessante: um estádio de hóquei, onde ele experimentou os primeiros sentimentos homossexuais. Lá ele relembra os jogadores mais bonitos, como também os melhores em campo. Reconstitui até um jogo atual, imaginando como seria reunir as diversas gerações de jogadores numa única partida.

Tudo é retratado com uma fotografia granulada, muitas vezes embaçadas e propositadamente velhas. Uma clara referência aos primeiros documentários, mas com a diferença de que há aqui a inclusão da verborragia inexistente nos primórdios.

É no mínimo uma experiência curiosa, observar como ele constroi (literalmente) uma memória que nada tem de coletiva. Há cenas de arquivo misturadas às encenações – sim, ele usa atores para representar a si mesmo e aos outros – e em alguns momentos não é possível distinguir o que é real e o que criado. É tão parcial que até o que não lhe apetecia ele faz questão de excluir, como se não tivessem existido. Exemplo maior é a eliminação do pai, a quem ele parece nutrir repúdio.

Ele diz que tudo que acontece na cidade é em eufemismo, o que se configura como o contrário do que ele faz com sua narração, direta e sem poupar ninguém.

Com as incontáveis colagens, Maddin realiza um experimentalismo com nexo e linha de pensamento bem estabelecida. Só faltou levar o espectador para dentro daquele mundo. Divertido e afetivo, ele parece ter feito este filme apenas para si, o que torna o acesso bem difícil.

É um trabalho que só envolve emocionalmente a ele. Apesar da inacessibilidade de seu conteúdo, sua forma singular aguça a curiosidade sobre suas outras obras.

Trailer



(idem, Canadá, 80 minutos, 2007)
Dir.: Guy Maddin

Nota 7,5

terça-feira, 30 de setembro de 2014

Crítica: Até o Fim (All is Lost)

É cada vez mais comum a recorrência a histórias concentradas em apenas um local e poucos atores. Um formato enxuto que permite olhar mais de perto os seus personagens e analisar profundamente o seu tema.

Navegante solitário – cujo nome obviamente nunca é revelado no filme – tem sua viagem abalada depois de bater em um container de sapatos em alto mar, incidente que danifica completamente o seu barco. Agora é lutar contra tempestades, falta de comida, água potável e as próprias limitações da idade para sobreviver o tempo que der, na esperança de chegar a algum lugar ou de ser encontrado.

Parente de filmes como Náufrago, A Vida de Pi, Kon-Tiki, Gravity e Buried, All is Lost trás Robert Redford como o isolado da vez. A diferença é que aqui não existe bola Wilson, leão, companheiros de tripulação e nem mesmo aparelhos de comunicação com o resto do mundo. Só ele e o barco.

Praticamente sem falas, assistí-lo é como refletir sobre a solidão e a esperança durante 100 minutos. Ali, isolado no mar, o sujeito sabe que não pode contar com a ajuda de ninguém e que sua existência só depende dele mesmo. Faz sentido perseverar e lutar pela sobrevivência num cenário iminência da morte onde é praticamente impossível ter esperança?

Sem fazer sensacionalismo, o diretor e roteirista J C Chandor (Margin Call) não mostra fotos de familiares, nem ação a cada minuto e muito menos chororô exarcebado. O cara está sozinho no mar e ponto. O que lhe resta é se concentrar e adiar a morte o quanto der. Também não fica louco, não conversa com animais e muito menos com sua bússola de estimação.

A única armadilha da qual Chandor não consegue escapar é a de utilizar todos os contratempos possíveis que o alto-mar lhe permite: de tempestades a navios que ignoram o sujeito até os tubarões que precisam bater ponto em todo e qualquer filme do gênero. Ponto para a edição de som sensacional, que cria toda a atmosfera envolvente que algumas cenas proporcionam.

Por fim, o "homem de Sundance" Robert Redford assume aqui, sem muita empatia, um protagonista que poderia render o Oscar na mão de alguns outros atores, mas que neste, pelo menos a mim, não tocou.

All is Lost é, de fato, um filme interessante, mas desperdiçou potencial em muitos quesitos e no fim ficou ali, meio perdido, indefinido, nem cult nem comercial.

Trailer


Dir.: J C Chandor
Com Robert Redford


Nota 7/10


sábado, 27 de setembro de 2014

Dicas: The Black Balloon / Segunda-Feira ao Sol / Another Year


Vencedor do Urso de Cristal no Festival de Berlim 2008, The Black Balloon é mais um bom exemplar do cinema australiano.

A história de um garoto que tem sua juventude toda diferenciada por conta do irmão autista é dessas que não tem muito como fugir do piegas, mas que, se bem feitas, pegam a gente de jeito, pelo melhor dos artifícios: a emoção.

Os eventos e as reações são trabalhados com sensibilidade pela diretora e roteirista Elissa Down e o elenco conta com (mais uma) brilhante atuação de Toni Collette, que encarna uma mãe como poucas atrizes já conseguiram. A mãe que ela constroi é mais que natural, é forte e tenta ser muito justa, olhando por toda a sua cria com o equilíbrio que a situação pede.

Uma pedida e tanto para relaxar e se emocionar sem precisar ficar triste.





Javier Bardem em mais uma de suas mil (impressionantes) facetas. Desta vez, gordo, barbudo e de cabelo ralo (horrível), ele encarna um homem deprimente, sujeito que perambula por uma cidadezinha portuária espanhola. Ele e seus amigos ficaram sem emprego há três anos, quando a empresa dona do estaleiro onde trabalhavam demitiu boa parte dos funcionários, deixando os homens do município – principalmente os mais velhos – sem perspectiva de melhoria de vida.

O filme é dirigido e escrito por Fernando Leon de Aranoa, o mesmo do sensível Princesas (2005). Fernando equilibra bem as doses de comédias e drama da história e parece saber exatamente até onde o bom gosto lhe permite ir. E mesmo com a propensão natural de Bardem de tomar o filme para si, consegue reunir um elenco ótimo e dar atenção a todos os outros homens do grupo.

É difícil não se compadecer com a situação do desemprego, do orgulho ferido, da falta de perspectiva de vida e da dura descoberta de que os tempos de juventude já passaram.



Another Year (2010)

Este filme estreou no Brasil este ano, finalmente. Imperdível!

Seguindo a lógica do seu filme anterior, Simplesmente Feliz, o diretor Mike Leigh contraria novamente a lógica dos dramas ao ter como protagonistas um casal extremamente bem realizado emocionalmente. A intenção parece ser a de mostrar que é possível ser feliz, mesmo rodeado de energias e pessoas negativas. É só criar o seu próprio universo e protegê-lo, sem deixar de estender a mão para os outros.


O filme acompanha o casal por um ano, mostrando com leveza, realismo e, sempre que possível, uma pitada de humor, a administração da vida deles e como eles lidam com as mazelas daqueles com quem convivem.

segunda-feira, 24 de fevereiro de 2014

Os melhores filmes de 2013

Este post nem deveria existir, mas a título de registro e mesmo com quase dois meses de atraso, resolvi escrevê-lo. Então, sem muito discurso, aí vão os filmes que de alguma forma me tocaram em 2013.


01)   Alabama Monroe
(The Broken Circle Breakdown, Bélgica/Holanda)
Dir.: Felix Van Groeningen

02)   Gravidade
(Gravity, EUA/Inglaterra)
Dir.: Alfonso Cuarón

03)   Capitão Phillips
(Captain Phillips, EUA)
Dir.: Paul Greengrass

04)   O Sonho de Wadjda
(Wadjda, Arábia Saudita/Alemanha)
Dir.: Haifaa Al Mansour

05)   A Caça
(Jagten, Dinamarca/Suécia)
Dir.: Thomas Vinterberg

06)   Workers
(idem, México/Alemanha)
Dir.: Jose Luis Valle

07)   Django Livre
(Django Unchained, EUA)
Dir.: Quentin Tarantino

08)   Gloria
(idem, Chile/Espanha)
Dir.: Sebastian Lélio

09)   O Ato de Matar
(The Act of Killing, Dinamarca/Noruega/Inglaterra)
Dir.: Joshua Oppenheimer

10)   Frances Ha
(idem, EUA)
Dir.: Noah Baumbach

11)   Somos o Que Somos
(We Are What We Are, EUA)
Dir.: Jim Mickle

12)   Suspeitos
(Prisoners, EUA)
Dir.: Denis Villeneuve

13)   How To Survive a Plague
(idem, EUA)
Dir.: David France

14)   Circles
(Krugovi, Sérvia/Cróacia/Alemanha)
Dir.: Srdan Golubovic

15)   Computer Chess
(idem, EUA)
Dir.: Andrew Bujalski

16)   A Hora Mais Escura
(Zero Dark Thirty, EUA)
Dir.: Kathryn Bigelow

17)   O Verão da Minha Vida
(The Way Way Back, EUA)
Dir.: Nat Faxon, Kim Rash

18)   Dentro da Casa
(Dans La Maison, França)
Dir.: François Ozon

19)   Branca de Neve
(Blancanieves, Espanha/França/Bélgica)
Dir.: Pablo Berger

20)   Procurando Sugar Man
(Searching for Sugar Man, Suécia/Inglaterra)
Dir.: Malik Bendjelloul

21)   Vergiss Mein Nicht
(idem, Alemanha)
Dir.: David Sieveking

22)   Piratas Selvagens
(A Hijacking, Dinamarca)
Dir.: Tobias Lindholm

23)   Tatuagem
(idem, Brasil)
Dir.: Hilton Lacerda

24)   Pornopung
(idem, Noruega)
Dir.: Johan Kaos

25)   Como Não Perder Essa Mulher
(Don Jon’s Addiction, EUA)
Dir.: Joseph Gordon-Lewitt

26)   Garotas Perigosas
(Spring Breakers, EUA)
Dir.: Harmony Korine

27)   Vaters Garten
(idem, Suíça)
Dir.: Peter Liechti

28)   Capturing Dad
(Chihi o tori ni, Japão)
Dir.: Ryota Nakano

29)   Thor: O Mundo Sombrio
(Thor: The Dark Kingdom, EUA)
Dir.: Alan Taylor

30)   Queda Livre
(Freier Fall, Alemanha)
Dir.: Stephan Lacant

31)   Jogos Vorazes: Em Chamas
(The Hunger Games: Catching Fire, EUA)
Dir.: Francis Lawrence

32)   No
(No, Chile/EUA/França/México)
Dir.: Pablo Larraín

33)   Pietá
(idem, Coreia do Sul)
Dir.: Kim Ki-Duk

34)   Kon-Tiki
(idem, Inglaterra/Noruega/Dinamarca/Alemanha/Suécia)

35)   Cine Holliudy
(idem, Brasil)
Dir.: Halder Gomes

36)   Rugas
(Arrugas, Espanha)
Dir.: Ignacio Ferrera

37)   Pluto
(idem, Coreia do Sul)
Dir.: Su-won Shin

38)   O Lado Bom da Vida
(Silver Linings Playbook, EUA)
Dir.: David O. Russell

39)   Jîn
(idem, Turquia/Alemanha)
Dir.: Reha Erdem

40)   Invocação do Mal
(The Conjuring, EUA)
Dir.: James Wan

41)   Blue Jasmine
(idem, EUA)
Dir.: Woody Allen

42)   Azul é a Cor Mais Quente
(La vie d’Adèle, França/Bélgica/França)

43)   Tanta Água
(idem, Uruguay/México/Alemanha/Holanda)
Dir.: Ana Guevara, Leticia Jorge

44)   Will You Still Love Me Tomorrow?
(Ming tian ji de ai shang wo, Taiwan)
Dir.: Arvin Chen

45)   Terapia de Risco
(Side Effects, EUA)
Dir.: Steven Soderbergh

46)   É o Fim
(This is the End, EUA)
Dir.: Evan Goldberg, Seth Rogen

47)   The Rocket
(idem, Austrália/Tailândia/Laos)
Dir.: Kim Mordaunt

48)   Anina
(idem, Uruguai/Colômbia)
Dir.: Alfredo Soderguit

49)   The Spectacular Now
(idem, EUA)
Dir.: James Ponsoldt

50)   Universidade Monstros
(Monsters University, EUA)
Dir.: Dan Scanlon


 
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